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Jacques Riousse, die Erlösung der Materialien

Jean-Michel Bouhours

Übersetzung des Beitrags “ Jacques Riousse, la redemption des matériaux“ von Jean-Michel Bouhours in dem Katalog «  Beautés Insensées, figures, histoires et maître de l´art irrégulier ». Der Katalog wurde herausgegeben von Bianca Tosatti im SAKIRA Verlag, Mailand, Paris, Seite 104-107 (2006).

Die schriftliche Erlaubnis des Autors zum Abdruck liegt vor.

„L’art brut, c’est tout simplement l’art de l’homme brut“ 1, schrieb Joseph Delteil in einem wunderbaren Text, Jean Dubuffet gewidmet. Er fuhr fort: „Der seine Kunst absondert wie die Schnecke ihr Haus, oder übrigens wie das Blatt eines Baumes, das wohlgeborene Insekt oder der gesunde Magen in der Natur funktionieren. Die Natur der Dinge, aber die natürliche Natur.“‚ Der Brut-Künstler nimmt eine in sich geschlossene, fast autistische Position gegenüber einer entfremdenden Welt ein, vor der er sich mithilfe eines persönlichen Symbolsystems schützt. Jacques Riousse war sowohl Autodidakt als auch Vollblutkünstler: Maler, Bildhauer, Glasmacher und Baumeister. Er war eher ein Mathematiker, der an einem Jesuitenkolleg in Amiens unterrichtete, hatte aber keine künstlerische Ausbildung und lernte die Techniken, die ihm in seiner Karriere zugutekommen sollten, wie das Schweißen mit Strom oder die Glasmalerei bei Handwerkern. Riousse lernte, wie man etwas macht, aber sicherlich nicht, was er mit den Materialien machen sollte. Er war ganz sicher ein roher Mensch im Sinne Dubuffets, d. h. ein Mensch, dessen „Stimmungen und Eindrücke roh geliefert werden, mit ihren lebendigen Gerüchen, so wie man einen Hering isst, ohne ihn zu kochen, wenn er gefangen ist und noch vom Meerwasser trieft “2. Aber er war ein roher Mensch mit einer Mission, die er nach seiner Befreiung aus den deutschen Gefangenenlagern als Arbeiterpriester erhalten hatte. Zweifelsohne von der Gnade beseelt, brachte Riousse Werke hervor, die die göttliche Gegenwart bezeugten. Der Heilige Thomas schrieb: „Wir sollten klarstellen, dass die Vollkommenheit, die der Seele durch die Gnade verliehen wird, sie nicht nur befähigt, die Gabe der Schöpfung zu nutzen, sondern sich auch der göttlichen Person zu erfreuen“.3 Jacques Riousse teilt mit den anderen Künstlern der Art Brut ein nicht-referenzielles und wildes Schaffen, das von einer normativen Lehre unberührt ist. Er bricht mit der Gesellschaft, aber dieser Bruch ist weder ideologisch noch pathologisch, sondern pastoral und mystisch.

li. Jacques Riousse, Vierge á l’enfant, 1960, Acryl auf Holz.
re. Jacques Riousse, Vierge á l’enfant, o. D., Acryl auf Metall

Das Werk, das ich erst vor kurzem 4 entdeckte, befindet sich genau zu diesem Zeitpunkt an einem Wendepunkt seines Schicksals. Das Hausatelier, das an die Kapelle in Saint Martin de Peille angrenzt, in die er 1956 gekommen war, war gerade umgezogen. Angesichts der Beschaffenheit dieses Ateliers werden von nun an von Riousse‘ Werk nur noch Stücke übrigbleiben, die zwar immer noch kraftvoll sind, wenn sie das Atelier verlassen, aber ihre Matrixwelt verloren haben. Ich durfte das Atelier in dem Zustand besuchen, in dem es sich nach dem Weggang des Priesters befunden haben muss: eine spartanische Behausung aus einer Reihe kleiner Zimmer, in denen jeder Gegenstand „Gegenstand seiner Zuneigung“ gewesen war: ein Wasserboiler, ein elektrischer Knopf, ein Türgriff, eine Tür trug die Stigmata eines kreativen Eingriffs. Riousse malte, zeichnete, klebte, verklumpte, lötete, fädelte, nagelte, verdrehte alles, was er in die Finger bekam. Es wäre keine Verleugnung der spirituellen Dimension seines Werks, wenn ich behaupten würde, dass es sehr wohl ein Primat der Geste, der Manualität der Dinge gab. Um zu malen, kaufte Riousse nie einen mit Leinwand bespannten Keilrahmen; ein grobes Jutetuch tat es auch. Als wir unseren Rundgang durch die Reihe dieser kleinen, eher dunklen Räume fortsetzten, wie sie oft in den kleinen Häusern in Nizza zu finden sind, die sich vor der Sommerhitze schützen, gelangten wir in das Atelier, das Riousse im Stil einer Favela-Baracke aus gesammelten und zusammengefügten Materialien selbst gebaut hatte. Zwei Glasfronten gaben den Blick auf ein prächtiges Panorama der umliegenden Täler frei.
Der Raum des Ateliers war durch die Ansammlung von geborgenen und sofort umgewandelten Gegenständen, fertigen Werken und Materialien gefüllt worden, für die es manchmal schwierig sein wird, einen Status zu definieren.

Jacques Riousse, Nackte Frau, o.D., Gouache auf Karton

Der Lauf des Lebens ist eine Wiederholung von Augenblicken, Tagen, Situationen und für den Menschen eine Abfolge von sich wiederholenden Gesten, von sich erneuernden Lebensbedürfnissen. Wir produzieren Abfall, den wir mit ebenso alltäglichen und unwichtigen Gesten entsorgen, da bei diesen Gegenständen davon ausgegangen wird, dass sie keinen Markt- oder Gebrauchswert haben. Es gibt Menschen, die ein viszeral-oppositionelles Verhältnis zu unserer Abfallgesellschaft haben und sie mehr als nötig verwerten. Riousse gehörte zu dieser Spezies. Er machte aus einer Ansammlung von Plastikflaschen eine Säule des Lebens in Form einer Helix, die stark an die Struktur der DNA erinnerte und die er über seinem Kopf aufhängte. Denn es genügte ihm nicht, den Raum des Fußbodens auszufüllen, die große Höhe des Ateliers ermöglichte es ihm, kuriose Objekte mit sehr dadaistischem Geist in die dritte Dimension zu hängen. Hier ein Mobile aus hölzernen Kleiderständern, das an Obstruction erinnert, eine berühmte Skulptur von Man Ray aus dem Jahr 1920, die Riousse aber höchstwahrscheinlich nie gesehen hat, dort eine „Wolke“, ein Cluster aus Bleigewichten aus Fischernetzen oder elektronischen Bauteilen. Der Maschinismus hatte eine neue Ästhetik inspiriert; die postmodernen Technologien haben Materialien wie den Mikroprozessor und die Leiterplatte hervorgebracht, für die sich die Künstler kaum interessiert haben; bei Riousse wird eine Leiterplatte zum Hintergrund eines Christus aus verbogenem Blech, Widerstände in Clustern erinnern sowohl an den Schwarm als auch an Constant Nieuwenhuys utopische Architektur. Wie könnte man nicht Picasso oder Cäsar in den zahlreichen Gasbrennern sehen, die er wahrscheinlich wegen ihres anthropomorphen Potenzials in seinen Assemblagen liebte? Vier zusammengeschweißte Sicheln bilden den Schwanz eines Hahns, zwei Hufeisen den Körper. In einem weißen Pferd, das aus einem gewöhnlichen, abgeschnittenen und umgedrehten Fahrradrahmen mit einer Bremsbacke zusammengesetzt ist, findet man die Effizienz des Bleistiftstrichs, der auf Picassos Skulptur angewandt wird?
Riousse hatte als Requisiteur beim Film gearbeitet. Dieser Beruf erfordert, dass man immer eine Antwort auf jede gegebene Situation findet; er hatte sich dadurch eine plastische Gymnastik des Objekts angeeignet. Nichtsdestotrotz beschränkten sich sowohl César als auch Chamberlain auf die Welt der Metalle: Eisen, lackiertes Blech, Kupfer, Messing…, deren Formen sie figurativ oder abstrakt bearbeiteten. Riousse schien keinem Material oder keiner Form den Vorzug zu geben und verwendete sowohl Eisen als auch Holz, Plastik und weggeworfene Gegenstände wie einen Fahrradrahmen, eine Steckdose oder eine Schuhsohle. Jeder Abfall schien ein Zeichen zu setzen. „Ich probiere gerne alles aus“, sagte er. Seine besondere Vorliebe galt Kühlschranktüren, Backblechen und Deckeln von Farbtöpfen, die er als gebrauchsfertige Bilderrahmen nutzte. Er war ein Junk Artist 5 und teilte mit Rauschenberg, Wolf Vostell oder Bruce Conner den Willen, mit Abfall aus Mülltonnen oder öffentlichen Deponien zu arbeiten.Die Entscheidung war bei den Amerikanern ideologischer und semiologischer Natur: mit dem zu arbeiten, was die Konsumgesellschaft ablehnte; sie war eine Form des Protests gegen die vermeintliche Noblesse der künstlerischen Geste und eine Neo-Dada-Haltung der polemischen Subversion. „Um ein Bild zu machen, eignet sich ein Paar Socken genauso gut wie Holz, Fingernägel, Terpentin, Öl und Stoff“, erklärte Bob Rauschenberg 1959. Im Fall des Amerikaners wird der Gegenstand aufgrund seiner intrinsischen Qualitäten, seiner semiologischen Aufladung und seiner Gebrauchsfunktion in ein „Combine Painting“ integriert. Der Gegenstand, der in einer Assemblage von Riousse verwendet wird, verliert seine ursprünglichen Qualitäten zugunsten einer formzeichnenden Funktion; er wird sofort in ein Signifikat integriert. Der Künstler ist in seinen Assemblagen übrigens oft figurativ: Ein Radflansch stellt den Heiligenschein eines Heiligen dar, ein Sägeblatt einen Kiefer, Knöpfe Augen. Wie bei anderen Künstlern wie Bruce Conner ist auch bei Riousse der Rückgriff auf Altmaterial aus einer wirtschaftlichen Notwendigkeit heraus entstanden. Im Übrigen bevorzugt er wie Bruce Conner ein Material im Zustand des Mülls, das die ursprüngliche Qualität des hergestellten Objekts verloren hat und aus seinem „ontologischen Gefängnis“ befreit ist.6 Die von Riousse verwendeten Materialien werden von ihrer ursprünglichen Funktion und Bedeutung „gewaschen“ und sind nun Teil des Aufbaus einer höheren symbolischen Ordnung.

Jacques Riousse, Maske, o. D., Assemblage

Seine Byzanz-Tür ist eine einzigartige Zusammenstellung von Abfall auf einer Tür, die im Atelier ihre klassische Funktion hatte. Riousse setzte bemalte, gekehlte Holzstücke, Gegenstände wie eine Pulverdose zum Schrubben von Küchen, abgestoßene Seifen und abgenutzte Sohlen zusammen, auf die er Köpfe zeichnete. Das Werk hat einen morbiden Charakter; jeder Schuh scheint noch die Spuren eines verschwundenen Lebens zu tragen. Doch der Künstler ging von dieser durch das Objekt vermittelten Idee des Todes aus, um den spirituellen Weg von unten nach oben, vom Tod zur Auferstehung, von der Fäulnis zum spirituellen Paradies darzustellen, auf den diese Schuhe und die aufsteigenden Sohlen auf der vertikalen Ebene des Trägers hinweisen.
Die Geste der Wiederherstellung des verlorenen Objekts hat eine authentische spirituelle Bedeutung. Sie ist eine Art, den Vorrang der Lebensenergie vor dem Schicksal des Todes zu bekräftigen und „dem Verhängnis der Fäulnis zu entsagen“.7
Die Alchemie des künstlerischen Akts verwandelt das Material „Blei“, das dazu bestimmt ist, zu verschwinden, in das heilige Gold der Ewigkeit. Jedes Mal, wenn Riousse eines dieser Objekte umwandelt, produziert er eine Art Erlösung der Materie, eine Allegorie der von Christus versprochenen Auferstehung. Seine Werke mit Granatsplittern aus dem letzten Krieg, die er an den Hängen des Mont Agel oberhalb von Monte Carlo, wo heftige Artilleriegefechte stattfanden, gesammelt hatte, zeigen die symbolische Bedeutung, die der Künstler der Geschichte des Materials beimisst. Die zersplitterte Granate – „eine satanische Explosion“ – ist natürlich eine Spur des Krieges und seiner menschlichen und materiellen Zerstörungen, die Riousse in heilige Figuren verwandelt: eine Madonna oder eine Heilige Familie.

Jacques Riousse, Paar, o.D., zerschnittene und zusammengeschweißte Granatsplitter
Blick in das Atelier von Jacques Riousse in Saint-Martin de Peille. 

Die Nouveaux Réalistes forderten die Transzendenz der Realität (durch das Objekt): Riousse tendiert dazu, zu zeigen, dass die göttliche Gnade gegen alle Widerstände im erbärmlichsten Gegenstand ist, sobald dieser seine Homologie verloren hat.
Riousse‘ Malerei ist eher expressionistisch, seine Skulptur mal picassisch oder surrealistisch, seine Assemblagen erinnern an die Skulpturen von Karel Appel oder Bruce Conner. Dieser scheinbare Eklektizismus des Stils scheint das Chaos der zeitgenössischen Welt darzustellen. Von der Art Brut übernahm Jacques Riousse die absolute Freiheit, die dionysische Freude am Tun und die Schärfe des scharfen Strichs, doch aus dem Chaos tauchen immer wieder die archetypischen Formen der religiösen Skulptur und Malerei auf, denn sein wucherndes künstlerisches Schaffen blieb in perfekter Übereinstimmung mit seiner Vision des Priestertums.

Anmerkungen zu den Fußnoten
1 Delteil J., „L’homme brut“ Cahiers de l’Herne, Paris, Nr. 22, Mai 1973, S. 166, abgedruckt in Abadie D., Jean Dubuffet, Paris, éd. du Centre Pompidou, 2001, S. 30-31.
2 Ibidem.
3 Saint Thomas d’Aquin, Vorwort und Übersetzung von R. P Mennesier, Paris, Aubier Éd Montaigne, 1942, S. 99.
4 Durch Nathalie Rosticher, die mir die Kapelle von Saint Martin de Peille zeigte, dann durch Robert und Mireille Fillon, die mich mit den Mitgliedern der Association des Amis de J. Riousse bekannt machten: M. et M™* Alain Coussement, Genies Imbert und Anne Riousse.
5 Unter diesem angelsächsischen Begriff bezeichnet man die frühen Arbeiten von Jasper
Johns und Robert Rauschenberg.
6 Bataille G., „Matérialisme“ in Documents, Nr. 3, Paris, 1929. Zitiert von R.
Krauss und Y.-A. Bois, L’Informe. Mode d’emploi. „Bas matérialisme“, Paris, éd. du Centre Pompidou, 1996, S. 50.
7 Diese Worte wurden von Riousse auf dem Flugblatt einer 1970 in Straßburg veranstalteten Ausstellung mit dem Titel Récup‘ Art unterstrichen.


Die Verwirrung der sinnlosen Schönheiten in Monaco

Zitat aus: LE FIGARO Freitag, 9. Februar 2007, Seite 29 von MARIE-GUY BARON

Die Verwirrung der sinnlosen Schönheiten in Monaco

Artikel von Mary-Guy Boron im Figaro 9. Februar 2007

Das Neue Nationalmuseum in Monaco vereint ein Jahrhundert an Werken von Künstlern, die an geistiger Umnachtung leiden*.

*Anmerkung der Redaktion: Es kann sein, dass diese Diagnose auf einige der Künstler zutrifft. Auf den hier auch ausgestellten Künstler Jacques Riousse trifft das aus meiner ärztlichen und langjährigen persönlichen Kenntnis nicht zu. – Prof. Dr. Ludwig Spätling

….. L’ART BRUT in Monaco. Das ist überraschend. „Warum nicht?“, antwortet Jean-Michel Bouhours, Chefkonservator des Neuen Nationalmuseums des Fürstentums, das 2008 eröffnet wird. Mit „Unsinnige Schönheiten. Figuren, Geschichten und Meister der irregulären Kunst“, der dritten Ausstellung, die einen Vorgeschmack auf diese künftige Einrichtung gibt, bestätigt sich der Anspruch seiner Politik. Sie geht sogar so weit, dass sie in Frage gestellt wird, denn der Ausdruck der Unvernunft wirft, wie er erklärt, „viele Fragen an die Theoretisierungen der zeitgenössischen Kunst auf. Sie ist ein hygienischer Akt und führt zu der etwas verlorenen magischen Quelle zurück“.

Für Liebhaber dieser subversiven Kunst ist es eine spannende Rückkehr zu den Ursprüngen. Unter den 400 Stücken, die die Expertin Bianca Tosatti zusammengestellt hat, befinden sich viele selten gezeigte Stücke, von denen viele aus italienischen Privatsammlungen oder Institutionen stammen und deren Schätze in Frankreich unbekannt sind. Es handelt sich um „eine Auswahl bemerkenswerter Werke, die dem Prinzip des Musée imaginaire von Malraux ähnelt“. Die Auswahl ist gut geordnet, historisch und nach Genre, um diese Werke, die das Fleisch der Welt kneten, um eine andere zu erschaffen, besser zu verstehen.

In der Einleitung erinnert der Körper als Träger der inneren Dunkelheit in den psycho-pathologischen Porträts an die Tiefe der Andersartigkeit in den Zeichnungen ihrer Patienten, die von den Ärzten Romoli Righetti und Paul Gachet angefertigt wurden. Die Verblüffung trifft einen beim Anblick der Selbstporträts von Antonio Ligabue (1899-1965), der sein Gesicht verstümmelt hat, um ein Adler zu werden, oder der Münder der belgischen Autistin Pascale Vincke (1974), der fotografischen Rahmungen der Porträts von Sophia Loren und Sandra Milo von Pietro Ghizzardi (1906-1986).

Der Saal der Stoffe führt in eine Höhle voller poetischer und farbenfroher Wunder. Der Raum lässt uns vor Bewunderung den Mund offenstehen, bevor wir erkennen, dass wir uns in einem Netz aus organischen und neuronalen Fäden befinden, die die einsamen Schicksale von Tarcisio Merati (1934-1995) oder Giovanni Batista Podestà (1895-1976) verweben. Man wird von der prächtigen Mesure du vide, einer gehäkelten, gestärkten und bestickten Skulptur von Marie-Rose Lortet (1945), überwältigt. Die Kleidungsstücke der anonymen heimlichen Weber aus Turin und die Wickelobjekte von Judith Scott (1943-2005) bereiten auf die Erschütterung vor, die die anthropomorphen Formen der Fetischpuppen von Michel Nedjar (1947) hervorrufen. Dieser Künstler verweist auf den Schrecken des Menschen, der durch das Leiden zermalmt wird, insbesondere durch die Erinnerung an den Holocaust.

Verwüstete Welten

Damit ist man reif für die unverständlichen, verwüsteten oder ständig am Abgrund stehenden Welten, in die uns der architektonische Wahn des Carabinieri Francesco Toris (1863-1918), der polierte Knochen von Essensresten verwendete, und Émile Ratier (1894-1984) mit seinen hölzernen Eiffeltürmen, die sich in einem instabilen Gleichgewicht befanden, wirft.

Beunruhigend erscheinen die Bilder der Weiblichkeit bei Franca Settembrini (1947-2003), der italienischen Aloïse Corbaz, die Selbststudien von Renata Bertolini (1944) und die bekannteren Arbeiten von Magde Gill (1882-1961), Jeanne Tripier (1869-1944) oder Marguerite Burnat-Provins (1872-1952) und Ida Franziska Sofia Maly (1894-1941), die Sie in den geheimen Schatten der Andersartigkeit eintauchen lassen.

Kehren Sie an der Seite von Medien und Visionären ins Licht zurück. Die Hauptfiguren der irregulären Kunst, Adolf Wölfli (1864-1930) und Carlo Zinelli (1916-1974), klammern sich an die Präzision ihrer unendlichen Universen und nehmen Sie mit in ihre Predigersysteme von großer Schönheit, während die verrückten, auf Karton gemalten Radmaschinen von Tarcisio Merati in einer seltenen chromatischen Harmonie erstrahlen.

Ganz in der Nähe befinden sich die aus Abfall hergestellten Objekte zur Erlösung der Materie des Arbeiterpriesters Jacques Riousse (1911-2004), die auf lustige Weise seinen mystischen Ansatz widerspiegeln. Und seine fabelhafte Tür nach Byzanz öffnet sich zu den Zimmern, dem intimen und zugleich hermetischen, faszinierenden und unheimlichen Ort von Ronan-Jim Sévellec (1938) oder Francis Marshall (1946). Die Angst kommt auch von außen. Davon zeugt das außergewöhnliche ultimative Werk, das Willem Van Genk (1927-2004) aus Altmaterial entworfen hat und das mit unserer Beunruhigung angesichts der Veränderung des städtischen Raums in Resonanz geht.

Verwirrt und geblendet zugleich von der verleugneten Realität, die aus all diesen sinnlosen Schönheiten hervorgeht, findet sich der Besucher schließlich am Rande des Seelennebels mit den Gemälden von Edouardo Fraquelli (1933-1995), Arturo Tosi

(1871-1956) und La Nuit ligure, dem riesigen Fresko auf freier Leinwand von Pinot Galizio (1902-1964), das vom Neuen Nationalmuseum in Monaco erworben wurde. ………

Katalog unter der Leitung von Bianca Tosatti, 368 S., 280 Farbabbildungen, Editions Skira.

Ein Bote des Lichts

Jacques Riousse: Un Messager de lumière (par Anne Zali)

Das Kind hat die Augen weit geöffnet, es brennt, sein Gesicht drückt namenlosen Schmerz aus, sein Schrei in der Stille ist ein ohrenbetäubender Aufschrei. Er hebt die Hand, als wolle er etwas verhindern. Und sie, die Mutter, steht neben ihm, all ihre Liebe kann nichts tun, um zu verhindern, dass dort etwas zerbricht. Doch das dunkle Licht ihres Blicks scheint jenseits der verwüsteten Erde die verzweifelte Sanftheit eines Ufers zu erblicken.

Heute sind es mehr als fünfzig Jahre, dass mich diese Madonna mit Kind begleitet und dass sie nichts von ihrer herzzerreißenden Menschlichkeit und ihrer Kraft der Hoffnung verloren hat, seit jenem fernen Tag, an dem Jacques Riousse mich von seinem Gemälde fasziniert sah und sagte: „Nimm es mit!“…).

Abb.1 Madonna mit Kind, Gemälde auf Leinwand, sd (= ohne Datum), Privatsammlung, AZ

Ich hatte ihn in den 70er Jahren an einem Sonntag bei der Messe in Saint Martin de Peille kennengelernt, zu der ich meine Eltern begleitete, und war vom Licht dieses Ortes, seiner ganz besonderen Transparenz und der Schönheit der umliegenden Berge erfasst worden. Auf dem Vorplatz der Kapelle begrüßte er die wenigen Gläubigen, der Wind wehte den Duft von Lavendel und sonnigen Hügeln herüber, und es war mir vorgekommen, als tanze die ganze Welt um diesen Mann herum und als habe sein blaues Auge, so blau, ein riesiges Stück Himmel aufgefangen.

Leben in Saint Martin de Peille

Und ich kehrte zu ihm zurück, zu Fuß von Monaco aus, über den kleinen Weg von La Turbie, der damals durch Olivenbäume und Minze hinaufkletterte. Die Aufenthalte in Saint Martin de Peille wurden für mich zu Momenten der Freiheit, die offen für das Unvorhersehbare waren. Alles trug zu einem Gefühl von Bohème und Abenteuer bei: Da war das wimmelnde Gerümpel im Atelier, das von riesigen Glasfenstern erhellt wurde, durch die die Berge hereinfielen, dieses unglaubliche Durcheinander, in dem die unwahrscheinlichsten Gegenstände nebeneinander standen, geisterhafte Garderobenständer, Holz-, Korallen-, Tauch-, Metall- und Töpferscherben, Skulpturen, Leinwände, Glasfenster. Man bahnte sich hier seinen Weg wie in einem vulkanischen Formenlabor, das von Gewittern, Wirbeln, Spiralen, Schwebezuständen, Turbulenzen und Elchen bevölkert war, als hätte sich das Universum zur Zeit seiner Entstehung oder vielmehr seiner Eruption hierher eingeladen! Jacques Riousse schuf, wie er atmete, er sammelte, pflückte und bastelte, als hätte er vom Ewigen die Aufgabe erhalten, die Trümmer verstreuter und zerbrochener Materie endlos zu verwandeln, den Atem des Geistes, seine Vehemenz und den Strom seiner unerschöpflichen Erfindungsgabe in sie hineinzupumpen.

Es gab auch die langen Abende unter der Lampe, an denen er erzählte, unerschöpflich erzählte und in Erinnerungen schwelgte, seine Erfahrungen als junger Mathematiklehrer, seine drei Jahre in der Deportation, die Hochzeiten, die er in den Bergen gefeiert hatte, die Filme, die er mit Abel Gance gedreht hatte … Die Mahlzeiten hatten immer etwas Wunderbares: Er öffnete die Tür des Kühlschranks und stürzte sich mit Begeisterung auf kühne Mischungen, die er in eine schnell mit Zeitungspapier gesäuberte Pfanne warf. Das Ergebnis war manchmal überraschend, aber immer interessant!

Es gab noch die Magie der Zimmer, die er in den Fels gehauen hatte, wo er Matratzen und Leinwände aufhäufte! Mein Lieblingszimmer war das Lusignan-Zimmer mit seinem traurigen Clown und den beiden ernsten Kindern, die mit einer großen Lilie in der Hand heirateten, am Rande einer fast völlig zerstörten Stadt, unter dem Blick eines kleinen Hundes, der vor Trost nur so strotzte…

Schließlich war da noch die undefinierbare Spur all der Reisenden, Künstler oder Nichtkünstler, die aus allen vier Winden der Welt zu ihm gekommen waren und bei ihm eine hilfreiche Gastfreundschaft gefunden hatten: mittellose Maler, russische Aristokraten im Exil, ein chinesischer Priester, Männer und Frauen jeden Alters auf der Suche nach dem Sinn ihres Lebens (in Saint Martin de Peille waren zu jeder Tages- und Jahreszeit ein Gedeck und eine Matratze verfügbar!).

Zwischen mehreren Ausflügen zu seinen „Gemeindemitgliedern“ oder in die Museen von Nizza und Antibes erinnere ich mich mit besonderer Zärtlichkeit an die Verzauberung dieses frühen Morgens in Cap d’Ail. Die Sonne war noch ganz neu, das Meer hatte diesen warmen und erholsamen Geruch eines Sommermorgens. Als wir am Ende der roten Felsen angekommen waren, hatten wir lange auf den Meeresboden geschaut, auf die violetten Basaltsteine und die unglaubliche Transparenz des Wassers, das von Licht durchdrungen war, das Phosphoreszieren von Blau und Grün und das Vorbeiziehen der kleinen Blitz-Fische. Wie in einem verwunderten Traum hatte er an die Anfänge der Welt erinnert, „als die Erde“, wie er sagte, „noch eine riesige Wiese aus meeresblauen Algen war…“.

Ein anderes Mal hatten wir uns auf den Weg gemacht, um Freunde zu besuchen, deren Tochter irgendwo weit oben in den Bergen krank war. Ich erinnere mich an eine lange Fahrt in seinem legendären 2CV. Abends bei der Totenwache hatte er mit viel Lebhaftigkeit Gionos Roman „Que ma joie demeure“ erzählt und dabei besonders auf das Ende eingegangen, den Moment, in dem Bobi sich von Aurore trennt, um seinem Schicksal als Einzelgänger zu folgen und im Tod eine Form der letzten Erleuchtung zu erfahren: „…et l’éclair lui mouait entre les deux épaules un grand couteau de lumière bleue…“. Ich glaube, er hatte ein erstaunliches Gedächtnis, aber was mich damals beeindruckt hatte, war die ganz besondere Inbrunst seiner Beziehung zu Bobi, Bobi dem Erstaunten, dem Einsamen, Bobi seinem Bruder!

Ein Bote

Er war ein Wesen des Lichts. Ich sehe sein scharfes Gesicht, das intensive Blau seiner Augen, seine im Boden verankerte Silhouette, die sich vor dem Hintergrund der Berge abzeichnet, und seine lebendigen Hände, die immer am Werk waren. (Abb.2)

Abb.2 Jacques Riousse, Foto aus den 80er Jahren?

Seine Präsenz ist gedrungen, sie hat die Farbe von Fels. Er ist ein Mann der Einsamkeit und des starken Windes, seine Gesten sind weit ausholend, wenn er spricht, lässt er den langen Wellengang der Geschichte der Menschen wieder aufleben, die unter dem Blick der Ewigkeit so zerbrechlich ist. Er ist erfüllt von diesem Schwindel und einem ausgeprägten Sinn für die Relativität aller Dinge. Er hat sich von den Spielen der Macht und des Geldes getrennt und zurückgezogen, ironisierte er gerne über die Fallen des Reichtums. Er hinterfragt die Armut in der Kirche und die Trennung zwischen individueller Armut und … kollektivem Reichtum. Er sagte oft, dass er Franziskaner geworden wäre, wenn er im Mittelalter gelebt hätte.

Es ist, als ob etwas von ihm im Strudel der Galaxien vergraben wäre, im Dialog mit den Sternen…

Er hat eine besondere Zuneigung zu Zypressen, er klettert gerne auf Leitern, bricht zu unvorhergesehenen Ereignissen auf und hat nur einen kleinen Rucksack und seine Zahnbürste dabei, er liebt es mehr als alles andere, sich überraschen zu lassen.
Seine Gespräche sind wie ein Fluss, in dem man manchmal den Boden unter den Füßen verliert! Sie wirbelt so viele Geschichten auf, erlebte und gelesene Geschichten vermischen sich. Er zitiert gerne Marcel Pagnol, Hubert Reeves, Pascal und Teilhard de Chardin, manchmal auch Anne-Catherine Emmerich, deren präzise Visionen ihn faszinieren, eine echte Herausforderung für die Geschichtswissenschaft!

Er ist ein kosmischer Mensch, voller Flüsse und Steine (er erinnerte sich gerne daran, dass „riousse“ von „rivus“ abstammt, was zu Ciceros Zeiten den „kleinen Bach“ bezeichnete).

Sein Schatten verliert sich in den schwarzen Flammen der Zypressen.
Er ist ein Frühwarnsystem, in ihm steckt ein Prophet, der Ungerechtigkeit und Heuchelei zerschlägt.
Er trägt die Erfahrung der Lager mit sich herum. In dieser Nacktheit erwarb er Menschenkenntnis und festigte einige solide Grundsätze: „Der Reiche schafft den Armen“, „Man ist reich an allem, was man nicht zum Leben braucht“ und noch andere, die ich vergessen habe.
In ihm blieb etwas von dem Lehrer, der darauf bedacht war, etwas weiterzugeben: auf den geheimen Wegen einer lebendigen Pädagogik, die nur ihm gehörte…

Das letzte Mal, dass ich ihn gesehen habe, war im Hospiz in Peille, kurz vor seinem Tod, zur Mittagszeit: Er war verschwunden, man suchte überall nach ihm, und am Ende fand man ihn an der Fensterfront klebend, seine unverwüstliche blaue Mütze tief über die Ohren gezogen, und er betrachtete die Berge, oder besser gesagt, er lief in den Bergen herum. Er war ein wenig abwesend, hatte aber nichts von seinem furchterregenden Humor verloren und erzählte mir von seiner jüngsten Kataraktoperation, bei der er, während er auf dem Operationstisch lag, „perinde ac cadaver“, wie er sagte, den Chirurgen gerade noch rechtzeitig darauf aufmerksam gemacht hatte, dass dieser sich im Auge geirrt hatte…

Wenn ich heute von ihm träume, sehe ich ihn in der vibrierenden Hitze des Sommers auf seiner kleinen Terrasse stehen, während die Zikaden zirpen und er damit beschäftigt ist, Metallstücke zusammenzufügen, getrennte Welten zusammenzubringen, das Unwahrscheinliche zu verschweißen, seine eigene starke und fröhliche Art, die Welt zu feiern, die zerbrechliche Allianz der Lebenden; seine eigene spielerische Art, sich dem Tanz der Kreaturen anzuschließen. So sehe ich ihn, untrennbar mit diesem Gold verbunden, in die Arbeit seiner Hände vertieft, ein fernes Licht ausstrahlend.

Die Messe dort

Oder er steht auf dem Vorplatz seiner Kirche, eingepflanzt wie ein Fels inmitten von Olivenbäumen. Seine Augen so klar. Der Wind weht-oder vielleicht der Geist. Der Reisende spürt, dass er an einen sehr bewohnten Ort kommt. Es ist Sonntag, kurz vor 10 Uhr. Er läutet die Glocke und weckt damit alle umliegenden Hügel. Der Ruf vibriert noch lange in der reinen Luft. Heute wird niemand kommen. Er sagt: „Das macht nichts, ich werde die Messe drinnen abhalten“. Drinnen, das heißt, in dem herrlichen Chaos seines Wohnzimmers. Als einzige Gläubige sitze ich auf dem Sessel eines alten, klapprigen 2CV, wo ich schließlich einen kleinen freien Platz gefunden habe. In ihrem Rücken große expressionistische Gemälde mit ausgemergelten Gesichtern und riesigen, fiebrigen Augen, die von einem immensen Schmerz geprägt sind. In der Mitte in einer fahlen Beleuchtung hebt sich ein Mann, der ein Christus sein muss, von einer roten und schwarzen Wand ab, er hebt seine linke Hand gegen eine sehr blasse Sonne, in seiner rechten Hand hält er ein Stück löchriges Brot. Er winkt wie ein Seemann auf einer Reise, der sich weit draußen im Wind der offenen See verloren hat. In seinen Augen trägt er sehr klare Sterne, er öffnet einen Weg von erschütternder Unschuld. Sein Gebet ist ein Schrei (Abb.3).

Abb.3) Abendmahl, Gemälde auf Leinwand, sd)

Die Jahre sind vergangen und dieses Bild kristallisiert für mich noch heute die lebendige Seele des Ortes, die einer Welt in Gefahr zuhört; ich höre darin weiterhin die Kraft eines Rufes, die Präsenz eines Windes, der nicht von hier ist. Ich „höre“ es wie ein Testament aus Feuer… Eine Einladung, sich auf den Weg zu machen…

Neben ihm in einem apokalyptischen Licht teilen die Emmaus-Pilger das Abendbrot mit einem Christus mit brennenden Augen. (Abb. 4)

(Abb.4 Emmaus-Pilger, Gemälde auf Leinwand, sd)

Nach und nach scheint es mir, dass wir bei der Feier dieser seltsamen eucharistischen Liturgie nicht allein sind und dass ihre stummen Stimmen, die mit unsichtbaren Präsenzen beladen sind, am Geheimnis seines Opfers teilhaben. Manchmal unterbricht er sich, um die Bruchstücke einer großen kosmischen Meditation vorzutragen, er träumt mit weit geöffneten Augen, die ganze Weltgeschichte bricht in seine Worte ein und verklärt die Dunkelheit eines kleinen, zerzausten Zimmers zum Morgengrauen einer anderen Welt, in der die Zeit nicht mehr existiert.

Seine Erinnerung in meinem Gedächtnis verschmilzt heute mit dem Lachen des Lichts, mit dem unermüdlichen Gesang der Grillen und Zikaden, mit allem, was sagt, dass es dort Sommer ist, mit einer Ungeduld, auf der Welt zu sein, und der Gewissheit, nur auf der Durchreise zu sein, mit einem Gefühl des Exils, der Einsamkeit, des Schwindels, aber auch des wilden Eintauchens in den Tanz der Lebenden. Ihre Stimme hat die Farben der Hoffnung, sie eröffnet die unerschöpflichen Möglichkeiten des Spiels, sie flüstert uns ins Ohr, dass es für jeden gilt, seine eigene Existenz zu ergreifen, bis zum Ende seines Traums zu gehen, die Freiheit seines einzigartigen Wegs zu wagen.

Ein Werk, das seiner Zeit zuhört

Sein Werk, in seiner religiösen Dimension, erhält seinen ganzen Sinn im historischen Kontext der Hoffnungen, die durch die Gründung der Mission de France und die Gründung der Arbeiterpriester entfacht wurden: der Wille, sich der Welt der Arbeit und den Ärmsten anzunähern, die in den Seligpreisungen formulierte Forderung des Evangeliums mit Nachdruck wiederzufinden. Es zeigt sich also eine starke Kohärenz seines künstlerischen Ansatzes in der Verwendung von armen, stets wiederverwerteten Materialien, bescheidenen Küchen- oder Gartengeräten, die abgenutzt, zerbrochen und zerstört sind und oft mit den Spuren des Krieges verbunden sind, Granaten, Granatsplittern, Metallhelmen (gesammelt auf den umliegenden Hügeln)… Es zeichnet sich auch der Elan der Erlösung ab, der dieses ganze kleine Volk von Skulpturen beseelt, das, indem es zu einem zweiten Leben gelangt, von einem unwiderstehlichen Tanz, einem Wind kosmischer Leichtigkeit mitgerissen zu werden scheint.

In ihrer menschlichen Dimension ist sie ein Echo der Not ihres Jahrhunderts und lässt sich vor dem Hintergrund der historischen Tragödie lesen, nicht ohne immer ein Fenster für die Hoffnung, einen Raum für das Licht des Herzens zu öffnen.

Irgendwo schreibt er: „Der Künstler ist kein Getrennter. Er nimmt am gemeinsamen Leben teil, aber er ist sensibler, er fängt mit vielen Antennen dessen unmerkliches Zittern auf, er nimmt die Kräfte, Strömungen und Wellen wahr, die es durchziehen. Er hört die Rufe und Ängste des Menschen. Intuitiv erfasst er seine tiefen Sehnsüchte, seine unausgesprochenen Wünsche. Dann entfernt er sich ein wenig von der lärmenden Menge (…) Der Künstler, der sich dann in einem Zustand der Hellsichtigkeit befindet, erfasst mit einem Schlag, indem er in das Herz der Wesen eindringt, die geheimen Beziehungen, die er seit langem erahnt hatte, ohne sie verbinden zu können“ („Dialogue de l’Artiste avec son temps“, „Conférences de la Salle Saint-Dominique“, sd).

So füllte sich die Einsamkeit ihres Ateliers wie eine wunderbare Muschel mit Präsenz und Stimmen, ließ sich von den Gesichtern und Energieströmen durchdringen. Auf diese Weise hat sie auf ihre ganz eigene, verbeulte Weise begonnen, den Gesang der Welt zu empfangen. Wenn es in ihrem Werk etwas Erschütterndes gibt, dann ist es genau das: die Verklärung dessen, was am meisten beschädigt, vernachlässigt, verachtet und in schlechtem Zustand ist, der unerschöpfliche Eifer der Verwandlung, der ihre Hände beseelt.

„Menschenkämpfe, Granatsplitter, von nun an seid nur noch die Madonna des Friedens“.

Art brut ?

In einem sehr schönen Artikel, der 2006 im Katalog der Ausstellung „Beautés insensées“ veröffentlicht wurde, spricht Jean Marie Bouhours von „art brut“ und „homme brut“ im Sinne Dubuffets, d. h. von einem Menschen, dessen „Stimmungen und Eindrücke roh geliefert werden, mit ihren sehr lebendigen Gerüchen, so wie man einen Hering isst, ohne ihn zu kochen, sobald er gefangen ist, noch ganz vom Meerwasser triefend“. Er sieht sein Werk als „eine nicht-referenzielle und wilde Schöpfung, die von einer normativen Lehre unberührt ist“, mit einem „pastoralen und mystischen“ Ziel.


Ich für meinen Teil bin mir nicht sicher, ob man wirklich von einer „in sich geschlossenen, fast autistischen Position gegenüber einer entfremdenden Welt, vor der er sich durch ein persönliches Symbolsystem schützt“ sprechen kann, wie er es tut. Mir scheint vielmehr, dass sein Atelier mit seinen riesigen Glasfenstern, durch die die Schönheit der Welt hereinströmte, ein geheimnisvoller Resonanzkörper war, in dem das ganze Universum im Tumult seiner Formen, die in großer Unordnung auftauchten, in einer unwiderstehlichen Ansteckung vibrierte. Mir scheint, dass seine diskrete und schamhafte Haltung eher von der extremen Freiheit geleitet wurde, die er den Objekten in ihrer unregelmäßigen, rauen und nicht kalibrierbaren Materialität einräumte, und die ihn zu ungezügelten Kreationen führte, in dem Sinne, dass keine Überlegungen zur Konformität mit einem ästhetischen Kanon ihren Ausbruch behinderten und ihre grenzenlose Plastizität zügelten.

Art brut ja, in dem Sinne, dass seine Energie die einer Leidenschaft für die Wiederverwertung ist, die alles, Eisen, Holz, Plastik, vom Brenner bis zum Kleiderständer, über die Sohle, den Schaumlöffel, das Bügeleisen oder den Fahrradsattel, in eine Bewegung der Verwandlung, der Neuerfindung im Laufe einer Feuertaufe, die durch seine legendären Schweißnähte vollzogen wird, hineinzieht… Seine Logik ist die einer „göttlichen Bricolage“, die alles aufgreift, was durch ihre Hände geht, und nicht aufhört, die Trümmer und lahmen Überreste einer von der Geschichte beschädigten Schöpfung zu verarbeiten. Es ist seine eigene Art, sich in die Dramen seiner Zeit einzuschreiben, und mit welcher Inbrunst. Er ist ein Mann, der sehr gut zuhören kann, und ich bin mir nicht sicher, ob es sich bei dem, was er uns da liefert, um seine „rohen Eindrücke“ handelt. Ich sehe darin vielmehr ein turbulentes Fresko, das von einem kleinen Volk gezeichnet wurde, das abwechselnd kindlich, kriegerisch, kindlich, prahlerisch, träumerisch und prophetisch ist, und das aus den nächtlichen Archiven des menschlichen Abenteuers aufsteigt.

Lebendig mit Frechheit

Das Leben hat an ihnen die Spuren von Verletzungen, mehr oder weniger verlorenen Schlachten, von allem, was sie verändert, verformt oder vergrößert hat, hinterlassen, aber sie sind lebendig, frech lebendig…
Hirte oder Krieger, der Alarm schlägt und den Weg ebnet (Abb. 5)

Abb.5 Männerfigur mit Stock, Eisenskulptur, sd

Manchmal tauchen sie aus einem langsamen Staunen auf, aufgerichtet mit ihren weißen Kieselsteinen wie kleine Altäre der Erinnerung (Abb.6)

Abb. 6 Kindergesicht, Eisenskulptur mit weißen Kieselsteinen, sd

Manchmal erinnern sie sich, wenn sie nicht gerade träumen, wie sie am Rande der Nacht auf einem Fuß stehen, während aus ihrem Herzen ein riesiger Schmetterling fliegt, dessen Flügel überquellen (Abb. 7 )

Abb.7 Figur des Pierrot, der auf einem Fuß balanciert, Eisenskulptur, sd

Wächter auf dem Kamm: Kündigen sie die Morgenröte an, von welchem fernen, vergessenen Planeten winken sie uns zu? (Abb. 8)

Abb. 8 Tierfigur, Eisenplastik, sd

Wissen sie etwas, das wir vielleicht verloren haben? Haben sie nicht geheimnisvolle Antennen? (Abb.9 )

Abb. 9 Madonna mit Kind, Eisenskulptur, sd

Freude oder Kummer, Tanz oder Unausgeglichenheit, wie kann man das wissen? (Abb. 10a und 10)

(Abb.10a und 10) Männliche Figur mit Antennen, Eisenskulptur, Sd und 10a Figur eines Tänzers im Gleichgewicht, Eisenskulptur, sd )

Wohin gehen sie, in welcher Nacht schwingen sie die Fahne des Landes der Seelen? (Abb. 11)

(Abb.11 Weibliche Figur, die ein Zeichen schwenkt, Eisenskulptur, sd)

Sie bilden eine ununterbrochene Kette der Weitergabe , und mit welcher Sanftheit, welcher zärtlichen Fürsorge es manchmal vorkommt, dass der Ältere die ersten Schritte des scheinbar noch Zögernden beschützt.

(Abb.12 Geburt, Eisenskulptur, sd)

(Abb.13 Figur eines Mannes, der ein Kind führt, Eisenskulptur, sd)

Sie bilden eine ununterbrochene Kette der Weitergabe (Abb. 12 Geburt, Eisenskulptur, sd), und mit welcher Sanftheit und zärtlichen Fürsorge der Ältere manchmal die ersten Schritte desjenigen beschützt, der noch zu zögern scheint. (Abb.13 Mann, der ein Kind führt, Eisenskulptur, sd)

(Abb. 14 Tanzende Frau, Eisenskulptur, Sd)

Sie winken uns in einem Wind zu, der nicht von hier kommt.

Einige Daten

-Geburt in Neuilly am 17. März 1911.

-1914: Sein Vater wird mobilisiert.

-1924: Er entdeckt Pascals „Pensées“ (Gedanken).

-1929: Tod seines Vaters. Jacques arbeitet in einem Unternehmen für Zentralheizung.

-1932: Er unterrichtet Mathematik an einem Privatgymnasium, in Saint Martin de Pontoise und dann in Amiens, wo er die Kunstschule besucht und bei Henri Lerondeau lernt.

-1938: Er entdeckt das Denken von Teilhard de Chardin.

-September 1939 wird er mobilisiert.

-4. Juni 1940 wird er von den Deutschen in Dünkirchen gefangen genommen und nach Pommern gebracht. Im Lager erfährt er von der Gründung der Mission de France durch Kardinal Suhard. Er wird 1943 als Krankenpfleger entlassen.

-1944: Er beginnt ein Theologiestudium.

-März 1948: Er wird in Lisieux von Kardinal Suhard zum Priester geweiht. Er arbeitet als Arbeiterpriester in den Filmstudios von Joinville als Elektriker, Requisiteur und Regieassistent.

-1954: Er trifft die Entscheidung, sich den römischen Entscheidungen zu unterwerfen, die dem Experiment der Arbeiterpriester ein Ende setzen.

Er lernt die Kunst der Glasmalerei, des Schweißens und der Schmiedekunst kennen.

-1957: Er lässt sich in Saint Martin de Peille in der vom Nizzaer Architekten Buzzi gebauten und teilweise unvollendeten Kapelle nieder. Er fügt Glasfenster im Glockenturm, Skulpturen und Bilder hinzu und baut sein Atelier unterhalb der Kapelle im Süden.

-2004: Er stirbt im Alter von 93 Jahren in Peille, wo er auch beerdigt wird.

übersetzt mit Hilfe von DeepL